ERIC LEPOUREAU (1951) / LA PINTURA NUNCA ME TRICIONÓ

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  • Después de ver tanto arte supuestamente contemporáneo y falso, estas obras del francés LEPOUREAU nos remontan a la auténtica contemplación, puesto que únicamente les importa captar esas referencias plásticas que desafían la capacidad artística del autor por un lado, y que por otro sirven de homenaje y misterio a la pintura europea (particularmente la española).   Retan al tiempo y al espacio, también al presente y quizás al futuro dado que el misterio no se desvanece.

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  • En cuanto a la apreciación de que todos los problemas estéticos acabarán resolviéndose en cuestiones que giran en torno al contenido de verdad de las obras de arte, no lo creo, aunque por lo que respecta a éstas sí que lo terminaré creyendo. 

 

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  • Adorno redunda en esta estimación cuando considera que la calidad y la verdad de las obras de arte dependen esencialmente de su grado de fetichismo. Efectivamente, ya que querríamos que nos acompañasen siempre.

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La soledad de lo inmenso mientras medía la capacidad de

una gota.

(Vicente Aleixandre)

 

KRISTINA HORVATH (1966) / ¿ME ESTOY DESNUDANDO?

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  • No quiere dejar reposar a los pigmentos pues tiene mucho que expresar, verter, mezclar, combinar, extraer, sintetizar, dirimir, trazar, exponer, deconstruir, liberar. La holandesa HORVATH, nacida en Hungría, ha tomado un rumbo plástico que no tiene un fin más que el suyo.   

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  • No le importa la originalidad de su obra, sino la individualidad y el concepto que supone, su identidad codificada, aunque algunos, como James Guitet, hablan de su tendencia a la desaparición. 

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He nacido. Si vieras qué agonía

representa la luna sin esfuerzo.

(Vicente Aleixandre)

 

 

ENRICO DAVID (1966) / LOS ENCUENTROS DEL PARAÍSO

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  • Una característica notable del arte actual reside en el cómo y en los resultados de los principios de acción y pensamiento, pero marginando aspectos esenciales como los recursos de orden imaginativo y emocional.

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  • Porque el conjunto de una obra como la del italiano DAVID no podría encontrar su justificación solamente en el grado de originalidad de su técnica, tiene que cubrir además elementos como los señalados anteriormente. 

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  • Y además, como apunta Arnold Gehlen, lo que ha de venir ya está presente: el sincretismo de la interpenetración recíproca de todos los estilos y de todas las posibilidades: la poshistoria. 

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La consistencia del espíritu consiste sólo en olvidarse de los límites y buscar a destiempo la forma de las núbiles, el nacimiento de la luz cuando anochece.

(VIcente Aleixandre)

MAO LIZI (1950) / ACARICIAN

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  • Cualquier argumentación abstracta puede traducirse en forma visual y, como tal, convertirse en un núcleo auténtico de una concepción visiva. Arnheim afirmaba que sólo a través de la forma entramos en el terreno del verdadero y legítimo arte.  

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  • Para el chino LIZI la cualidad de la mancha, tanto orgánica como biológicamente, es fundamental para ser portadora de una significación que se desenvuelve como expresión de vida reducida a su esencia. 

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Se la puede imaginar como iluminación fosforescente que nada en una superficie, en la que se desliza una ilusión óptica que remite a la fluidez que en el interior del ser oculta su secreto.    

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Soy lo que soy. Mi nombre escondido.

(VIcente Aleixandre)

HERNANI REIS BAPTISTA (1986) / ¿QUÉ ESENCIA HAY EN TALES VERICUETOS?

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  • Son revoltijos medidos y planificados en espacios que puede albergarlos sin que se rompan sus efectos visuales. Todos los tamaños, todas las posiciones se superponen y tienen su función. 

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  • El portugués REIS organiza lo que era antes un depósitos de tiempos y objetos, que simbolizan y significan, que ponen el acento en la autoría, que van en camino de desentrañar o al contrario, de agudizar un caos tan meditado y equilibrado.  

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  • Evidentemente sus principios de acción y de pensamiento no se focalizan en un quehacer plástico, sino en un argumento conceptual que discurra en que toda percepción exterior se base en la diferenciación entre el sujeto que percibe y su objeto (Dilthey).

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Luz difusa en la hora

última,

de cosas que, si han sido,

se tornan paso

a paso.

(Vicente Aleixandre)

SACHA TURCHI (1988) / LO ÓSEO TAMBIÉN FORMA PARTE DE LO CREATIVO

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  • La italiana TURCHI hace de lo simbólico un elemento plástico que al mismo tiempo se metamorfosea a partir de lo óseo, sufriendo una transformación que no le significa perder sus referencias físicas y ontológicas que siguen estando ahí.  

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  • Lo que podría ser un condicionamiento externo desaparece para que la configuración plástica domine y marque su propio ideario. Decía Kandinsky que los grandes sentimientos como el miedo, la alegría, la tristeza, etc., ya no interesarán al artista. Éste intentará despertar sentimientos más finos e inefables, excitaciones que son efectivamente tan sutiles que nuestro lenguaje se vería incapaz de expresarlas.  

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  • Ésta es precisamente la determinante visual de la artista, cuya obra se mueve entre una y otra opción, pues si en la misma hay una expresión fatal y contundente, también se encuentra añadida una significación metafísica al alcance de la mirada.   

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Estancia soleada.

¿Adónde vas, mirada?

A estas paredes blancas,

clausura de esperanza.

(Vicente Aleixandre)

EUGÈNE DOMEIGNE (1923-2015) / LOS GUARDIANES DE MI TUMBA

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  • Están ahí clavados con su piedras talladas a cuestas para recordarnos su vocación de inmortalidad, con lo que siempre están evocando a su creador, el franco-belga DOMEIGNE, en agradecimiento a esa transferencia de eternidad. 

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  • Casi podríamos configurarlos como la antiquísima representación de unos ídolos adorados y fruto de una leyenda que a través de los siglos ha quedado inmune y que ahora se ha desvelado. 

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  • También es un homenaje a la piedra, a la ficción que hay en su interior si se sabe extraerla acertadamente, confiriéndole así un significado a compartir y cultivar con nosotros.   

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Siempre hay lo que hay y nunca lo que debiera haber, no por ser mejor o peor, sino por ser distinto……

(Fernando Pessoa)