WALTER PICHLER (1936-2012) / EL HOMBRE Y SU MERMA

El austríaco PICHLER fue un artista multifacético y polivalente, pero sus bocetos o apuntes únicamente apuntan a la figura del hombre como espécimen a prueba.

Los dibuja como cuerpos en las postrimerías, señala sus líneas de pensamiento y no idealiza su vida, sino que deja que sea un componente patético de la misma.   

El extrañamiento es absoluto, lo encuadra desde una perspectiva existencialista al mismo tiempo que un animal de laboratorio, con lo que es portador de una visión pesimista de futuro.  

Antes habrá cuerpo sin sombra que virtud sin envidia.

(Leonardo da Vinci)

DAN BALDWIN (1972) / HAY QUE MORIR PINTANDO

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  • Estas pinturas de colores vibrantes del británico BALDWIN son la metáfora de un cielo que abarca hasta el mismo infierno, pues sus espacios son tan inmensos que en ellos se pueden colgar hasta las ánimas del purgatorio.  

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  • Hay en ellas fauna, dibujos animados, calaveras, esqueletos, niños, armas, etc., la miscelánea de un frenesí jubiloso carente de malditismo, de miradas abyectas, de pensamientos turbios, y la visualización de un mundo que solamente está empeñado en hacerse a sí mismo.

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  • Pero también implica un hálito de provocación y enfrentamiento al observador, que recepciona su significante como la vía hacia un significado que le crea contradicciones, afectos y evasiones.  

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Cada gusto cuesta un susto.

JAIME LORENTE (1956) / NO PUEDO DETENERME

La obra tiene ambición de abarcarlo todo, de darse a conocer como un infinito en el que habitan conjuntamente un paisaje, un satélite, signos, imágenes variopintas y unos hilos que lo envuelven amalgamado en un espacio en el que ya no cabe nada más.  
El madrileño LORENTE ha comprendido que todos los medios son posibles para iluminar una concepción basada en la fortaleza plástica, ahíta de collages, fotografías, de juegos de tamaños, de superposiciones, etc.  
   

No hay ningún tipo de orden aparente, pero al final cada pieza encaja en su sitio, revela lo atinado de su posición en una escritura que probablemente perdería su sentido visual si se estructurase de diferente manera.  Son piezas que por su misma conformación no tendrían que tener fin. 

El bobo, si es callado, por sesudo es reputado.

RAMÓN CHIRINOS (1950) /SOLAMENTE ME GUARDO CIERTOS AMANECERES

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  • Se ha dicho que la arquitectura cromática plana empieza en el instante en que la corporeidad material del mundo perceptible, con sus distintos grados de consistencia, deja de ser objeto de la representación pictórica

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  • El venezolano CHIRINOS sigue ese guión y, con una competencia técnica muy acrisolada, indaga sobre las formas de un hacer melodioso pero cifrado, armonioso pero con jeroglíficos y recovecos.   

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  • Al final sus obras son muestra de un quehacer estilístico basado en una lírica del color y la geometría, en unos espacios surcados de signos que únicamente conciernen a la estructura de la obra y de sus conversaciones entre ella misma y su creador.  

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El avaro al pordiosero, por quitarle, le quita el sombrero.

ROGÉRIO TIMÓTEO (1967) / YA VUELO

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  • El portugués TIMÓTEO no renuncia a la estatuaria greco-romana para crear sus protagonistas de leyenda y mito, unos hombres que quieren ser unos dioses que tratan de alcanzar la cima de su divinidad a través del vuelo.

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  • Casi podríamos asegurar que estamos ante la proposición filosófica de la hybris, de ese afán humano de traspasar todos los límites, que ya no es un pecado de orgullo sino el modo de ser del artista. 

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  • Es una concepción que representa metafóricamente la aspiración física y corporal de convertirse, de transformarse en un ser alado y con ello en un ser poderoso que traspasa el umbral de sus límites.  

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Aquí yace Juan Español, que, estando bueno, quiso estar mejor.

SERGIO CAMPOREALE (1937) / QUEDAROS

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  • Es indudable que la realidad estética implicaría la materialización exterior sobre la que se proyectarían los universos mentales y las vivencia íntimas del creador e incluso del espectador.

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  • Así lo entiende el argentino CAMPOREALE, y es tal su imaginario que agota casi por completo, en colores vibrantes y muy significantes, el relato icónico de nuestro  mundo, merced a unas coreografías que expresan lo más rotundo de nuestra historia pictórica. 

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  • Cada obra ensambla figuraciones de distinta procedencia y referencia a través de una estructuración que tienen en cuenta cada espacio, con el que organiza el destino de cada elemento y le da un símbolo que portar, un significado que esclarecer.

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¡Anchura, anchura, que viene el carro de la basura!

YUTO OHASHI (1986) /¿DÓNDE SE ENCUENTRA?

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  • El simbolismo ha capturado otro registro con el que recibir una sensación de un mundo estético que con los ingredientes de una realidad concreta compone una irrealidad absoluta.  

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  • Estas representaciones ideadas por el fotógrafo japonés OHASHI son manifestaciones del deseo que se volatiliza dentro de un imaginario siempre a la búsqueda. 

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  • Así queda expresado ese paso que va de lo banal y cotidiano del estado en que vivimos a lo fabuloso, maravilloso y absurdo. Una fantasía que a través de estas obras nos proporciona motivos y vivencias.

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Al son de mis dientes, acuden mis parientes.