FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE / CERVANTES, YO Y EL PERSILES

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  • Si es cierto que el arte de las distintas épocas puede entablar un diálogo, y contemplarlo todo, asimismo, como contemporáneo nuestro (André Malraux), entonces FELIPE ALARCÓN -en esta exposición anunciada- puede dar realidad, lugar y tiempo al “Persiles” de Cervantes. 

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  • Y así lo ha hecho en sus dibujos ilustrativos en los que la línea, una vez que empieza, traza sin querer acabar. No obstante, al final, esta efervescencia culmina en una representación visual que nos trae, secuencia a secuencia, las imágenes de un viaje literario emblemático.   

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  • Más que sobresaliente es la convergencia en el presente de cada uno de ellos -Cervantes y Alarcón- con su magia estilística, que hace que las verdaderas y genuinas videncia y lectura integren el universo en el hombre, es decir, el hombre en el universo (Paul Éluard).

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  • La luz blanca anuncia el color, que se suaviza o se excita -aunque nunca abandona su factura acariciante y poderosa- según el punto de visión, el encuadre, la fisonomía estructural de lo que se plasma en cada pieza. Podríamos decir que la festeja o hace que trascienda a la vez, pues tiene muchas vicisitudes que vencer.

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  • Mientras, el eje de su pensamiento no está fijo, está en movimiento constante, incluso hasta abordar un desdoblamiento de la ficción y permitirnos mirar más allá de la mirada, donde muere la muerte, porque en la vida tiene tan sólo su existencia (Francisco Brines).
  • No se la pierdan. 

 

NOE NOJECHOWICZ (1929-1998) / NUNCA SE ACABA EL MISTERIO

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  • Una pintura, según el análisis de Magritte, es la descripción visible del pensamiento, y el arte de pintar es un arte de pensar. Pero tampoco podemos incurrir en el efecto de no mirar la pintura y sólo pensarla. 

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  • Al argentino NOJECHOWICZ se le ha considerado un surrealista y no creo que encaje en tal definición. Es un artista que se recrea demasiado en la constitución plástica de las formas y el color, que le da a la fantasía un soporte tan bien estructurado que no le sale el delirio.   

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  • Puebla sus obras de objetos, personajes, construcciones, paisajes, ambientes, atmósferas con distintas formas y tamaños, pero con una sensibilidad excepcional para la alquimia cromática. 

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  • Aquí podríamos decir que su cuerpo, cuando pinta, es una articulación del espacio y también una articulación secreta entre la mano que toma y el ojo que ve (Bernard Noël). 

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Y llega, sorda y fría, la ausente luz final,

la hueca luz final de su negro aletazo.

(Francisco Brines)

JUAN CARLOS DISTÉFANO (1933) / ¿SOBREVIVIERON?

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  • Ante la obra del escultor y antes pintor argentino DISTÉFANO no se me puede ocurrir la aplicación de métodos filosóficos a nociones estéticas. Tan sólo puede hacerlos, como ha dicho Elisabeth Schellekens, resecos, sombríos y acaso irreconocibles. Además de que no es lo mío.

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  • Estas esculturas, seres torturados, martirizados, a punto de morir, no necesitan más que, dentro del contexto biográfico, social y artístico del autor, considerar que, tal como señalaba Bernard Noël, el ojo refleja la imagen y es su reflexión.  

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  • Aunque las imágenes representen la mirada y no la realidad, en este caso la mirada se transforma en realidad viva, palpitante, espantosa y testimonial. Un humanista renacentista que nos ofrece en sus imágenes datos e ideas. 

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Van llamando los años en mi cuerpo,

los voy alojando con incomodidad,

vanos y numerosos. Se tiende ne mi cama,

manchan mi soledad, hastían mi figura en los espejos.

 

(Francisco Brines)

ENRIQUE GAY GARCÍA (1928-2015) / HE PINTADO COMO SOY

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  • Con la abstracción el artista busca sentir otro tipo de liberación, lo cual, no nos engañemos, no le libra de una nueva tensión que se desprende de esa búsqueda de la expresión basada en el conocimiento y la creatividad.  

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  • El cubano GAY no indagó sobre el efecto de su obra en la contemplación del espectador, al contrario experimentó pictóricamente en relación a sí mismo, a lo que entrañaba en el ámbito de su intimidad. Después debía continuar su camino en dirección a la visión del observador.

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  • Por los rasgos de su quehacer percibimos que además incorpora un arte de pintar que tiene como fin llevar a la perfección el funcionamiento de la mirada, tal y como decía Bernard Noël.

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Amar el sueño roto de la vida

y, aunque no pudo ser, no maldecir

aquel antiguo engaño de lo eterno.

(Francisco Brines)

 

SARAH SLAPPEY (1984) / INVOCO A LOS DIOSES

  • Escribía Ortega y Gasset que la ley rectora de las grandes variaciones pictórica es de una simplicidad inquietante. Primero se pintan cosas; luego sensaciones; por último, ideas.  Teorema interesante, pero en fuera de juego innumerables veces.  

  • Por ejemplo, la norteamericana SLAPPEY  trata de establecer una sincronía entre un cromatismo que intuye como el alma y el acontecimiento plástico que tiene lugar entre una naturaleza progenitora de seres.  Ni ella misma sabe si son ideas, son claramente intuiciones.   

  • Entre unas fuerzas que laten dentro de ella misma y la catarsis de lo plasmado, que al mismo tiempo fagocitarán a la humanidad que intenta sobrevivir dentro de ellas, ya que el paraíso anunciado se ha convertido en el protagonista salvaje de la forma que le es más afín. 

En este vaso de ginebra bebo 

los tapiados minutos de la noche,

la aridez de la música, y el ácido

deseo de la carne.

(Francisco Brines)

LEONARDO SILAGHI (1987) / TODO ES TAN GRIS

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  • Cuando contemplamos estas obras es cuando percibimos un eje central sobre el cual el color preponderante está asociado originalmente con un cierto significado simbólico.

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  • Parece como si el rumano SILAGHI quisiera poner de manifiesto con un contenido pictórico a punto de caerse a pedazos, lo que decía Friedrich Schiller respecto a que la utilidad es el gran ídolo de la época, para el que trabajan todas las fuerzas y al que rendir homenaje todos los talentos. En esa balanza no tiene peso alguno el mérito espiritual del arte.  

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  • Por esa causa sus artefactos se despeñan en su falta de valor, están desportillados, abandonados, oxidados, únicamente confían en que un artista les redima de su pronta desaparición convirtiéndolos en una alegoría plástica. 

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Seco esté el aire que mi casa habita,

y vaga la memoria

por los caminos de la vida muerta.

(Francisco Brines)

HYON GYON (1979) / NI YO MISMA SÉ DESCRIBIRLO

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  • Félix Ovejero Lucas no se corta ni un pelo cuando atiza -más bien nos- a los críticos de arte, porque argumenta que, en promedio, este género resulta de una oscuridad desalentadora. En su mayor parte se muestra ininteligible o, directamente, puro sinsentido.  

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  • No seré el que le quite la razón, es más ante la obra de la coreana GYON me remitiría a que fuese el yo de ella y además su pareja crítica para callarme la boca, pues así lo creía Nietzsche, cuando decía aquello de que el autor -y el crítico- tiene que callar la boca cuando su obra abre la suya.   

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Lo cierto es que nos ofrece una plataforma plástica exuberante, más que barroca -aunque ese concepto no es propio de Oriente-, con un imaginario en el que hay aspecto incluso sublimes. Las formas y los colores juegan a construirse y deconstruirse y el aparato conceptual se sirve de la tradición y la impregna de otra sabiduría.   

 

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Hay momentos del hombre en que le duele

amar, pensar, mirar, sentirse vivo,

y se sabe en la tierra por azar

solo, inútilmente en ella.

(Francisco Brines)