MIKULAS MEDEK (1926-1974) / NO ME HA DADO TIEMPO A MÁS

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  • Nunca puede haber una obra de arte completa o perfecta porque la perfección ha muerto, decía Alan Davie. Y también, pienso yo, porque es difícil definirla y tampoco hace falta hacerlo.  

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  • Mas el checo MEDEK  nos hace sentir lo que proclamaba Spinoza, que la belleza no es tanto una cualidad del objeto que se percibe cuanto un efecto en quien lo percibe.  Y lo percibimos como un conjuro, como una cábala, un signo que ofrece, en su singular belleza,  una nueva realidad del hombre y un magno confín a su espíritu.  

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  • Es evidente que su obra no formula teorías cuyo conocimiento corrompan la fuerza de la imaginación (Descartes), pues lo que contiene se revela como un agujero místico de la materia plástica que nos identifica como humanos desamparados y efímeros.    

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Y era como sentirse otra vez en vías de nacer a través de aquella agonía inédita.

(María Zambrano) 

JIM AVIGNON (1966) / YO QUIERO SER EL MÁS POPULAR

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  • En sus murales el alemán AVIGNON despliega toda su capacidad enlazar personajes, situaciones, formas, colores, diálogos, intervenciones, animaciones, perspectivas, paisajes urbanos, ideas, ficciones, etc.  

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  • Un arte popular jocoso, festivo, imaginativo y que si consideramos que ha sido llevado al límite, entonces, como dice Jean Clair, se abre, dentro de ese contexto, a lo fantástico aureolado de fulgores irreales.

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  • Tiene, por supuesto, su “maniera”, su garra personal, el estilo propio, la originalidad de una obra que se planta ante el espectador a fin de hacer resucitar su mirada, de compartir tanto una realidad presente como un sueño futuro.

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La conciencia toma sobre sí el destino, lo hace entrar en la conciencia y lo conduce hasta su máxima claridad.

(María Zambrano)

AVTANDIL GURGENIDZE (1979) / LA TIERRA ARDE EN LUZ

  • El georgiano GURGENIDZE lleva al límite de su cosmovisión, de la pertenencia a un origen, a una tierra, a una cultura, una aureola de fulgores irreales. Es una pura incandescencia que se debate entre el signo, lo cósmico y la representación fantástica de su mundo. 

  • Y como tal, constituye un compendio de formas que las referencias visuales nos trasladan a un modo de enfocar lo pictórico entre unas ondas cromáticas que sugieren por sí mismas el magma terráqueo y celeste de un territorio entre el pasado y el presente.  

  • Como un buen artista del Este, su imaginario  es quimera y ensueño, una sublimación de la realidad que en la imaginación ha de tener el mayor vínculo con la esencia singular de su capacidad artística, de su habilidad para transmitir lo inimaginable de un delirio que lleva inherente su propio significado.  

El que está solo siente la presencia de la realidad que le falta.

(María Zambrano)

VINCENT FECTEAU (1969) / ¿BESAN LAS FORMAS?

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  • Se habla de un arte concreto que no deja de arrastrar características de un arte decorativo opuestas a un verdadero arte visual. La obra del norteamericano FECTEAU no es tal, pues su visualización está encarnada en una materialización creativa y abstracta.  

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  • En sus estatuas las formas toman un mayor desarrollo y complejidad, parece que genéticamente han alcanzado estadios más avanzados, etapas en las que indican y orientan su crecimiento a la reflexión del artista, para que las haga con una mayor vitalidad e interacción visiva.   

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  • Y el color, en sus distintos matices, raspaduras e intensidades, juega en la constitución íntima de lo hecho, de lo esculpido, focalizando la singularidad de su naturaleza plástica en la extensión y volubilidad de su articulación. 

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Pues hay el silencio de la razón cumplida que va a integrarse con todas las razones a ensanchar el curso de la armonía.

(María Zambrano)

BRUNO WALPOTH (1959) / ESTÁN VIVOS, NO LOS TOQUE

  • Miguel Ángel pensaba que el ojo era un órgano que tenía como misión desvelar la función de la materia, además de seguir los pasos del espíritu y ser libre. Y el saber utilizar los materiales da lugar a unos recursos formales que configuran la fórmula creadora adecuada. 

  • Por eso quizás la figura humana continúa dominando el alma y la fantasía de muchos artistas. Este es el caso del italiano WALPOTH que con sus estatuas de madera hace visible ese sentimiento de aislamiento, angustia, de tristeza, de ensimismamiento, que escapan al marco global de una civilización, porque son eternas. 

  • Tales propiedades de estas obras, fruto del labrar y marcar superficies, agitan la significación interna que no tienen más remedio que reflexionar sobre su destino o precisamente de la indiferencia sobre el mismo.  

Ningún hombre verdadero cree ya en esa zarandaja del arte puro, arte por el arte mismo.

(Federico García Lorca)

ATHIER MOUSAWWI (1982) / LO ENCERRADO SE DISPARA

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  • Todo es una alegoría de formas brillantemente articuladas, fruto de un esfuerzo constructivo e imaginativo. Desde el núcleo se expanden e impetuosas fuerzan los límites del espacio donde se sienten encerradas. Son diversas y con una dinámica ondulante generadoras de significados y referencias.       

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  • Para el británico iraquí MOUSAWI son ficciones que corren alocadamente en busca de un destino que ellas mismas desconocen, por estar condenadas a regenerarse siempre dentro del mismo ámbito plástico. Y con ello dan a luz una visión más preñada de emociones. 

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  • Por tanto, constituyen abstracciones que asumen referencias corporales, mecánicas, que se fragmentan tantas veces como desean, que se aprietan para explotar luego, que se enroscan y desenroscan, que huyen chocando contra sí mismas. Se agarran a una libertad que la realidad exprime y concentra.  

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Y la red, estructura viviente, forma tejidos, la hay en la sangre.

(María Zambrano) 

MAGDA CORDELL (1921-2008) / RETRATOS DE MIS TRIPAS

Afirma Alfonso de la Torre que “pintar cuerpos, en el convulso y vertiginoso siglo XX, se había convertido ya en un completo ejercicio de melancolía”. Y también de cierta rabia e ira debido a una conciencia existencial y plástica del fin.     

  • La obra de la norteamericana CORDELL, catalogada como “Art Brut”, expresa su concepción empírica en el desenmascaramiento de cuerpos sin identidades, en radiografías internas que manipula, en las que hurga, saja, retrata, experimenta, toca, se empapa. Es una descomposición orgánica que por sí misma se transforma en protagonista fetiche, en una epifanía atrapada en el signo de la extinción.  

  • Decía Manolo Millares que “cuando el rostro del hombre se pega a diario en el cuadro del que pinta, no existe esa posibilidad de evadirse con una exclusiva verdad formal sacada del bolsillo”. 

 

Pues parece inexorable que cada ídolo tenga su víctima.                                      (María Zambrano)